9 Sep 2020

Caminos paralelos

Que el cine existe porque antes existió la fotografía es algo indiscutible. Que tanto el cine como la fotografía han seguido caminos independientes, pero siempre paralelos, también es un hecho probado. El cine no se entendería sin el papel que la fotografía tiene en todo su proceso de elaboración. De hecho, la práctica totalidad del impacto visual que sus imágenes nos producen dependen de la labor de uno de los técnicos más importantes en cualquier película: el director de fotografía. Él es el encargado de reproducir la manera en la que cada escena se muestra, con su encuadre, su iluminación y su atmósfera, y el proceso técnico que hay detrás del aspecto visual de cada fotograma cinematográfico no es muy diferente al de cualquier toma fotográfica, sea con luz ambiente, luz artificial, o la combinación de ambas. Ni tan siquiera la postproducción de la imagen en cada campo es diferente. Antes, los procesos eran químicos, fuera para negativo en color, blanco y negro o diapositiva en el caso de la fotografía, como también lo eran para el celuloide, el positivo de una película de cine. Ahora, casi todo el proceso de revelado y postproducción, tanto en cine como en fotografía, se hace mediante técnicas digitales que, si no son hermanas unas de otras, como mínimo son primas-hermanas.

Que el cine existe porque antes existió la fotografía es algo indiscutible. Que tanto el cine como la fotografía han seguido caminos independientes, pero siempre paralelos, también es un hecho probado. El cine no se entendería sin el papel que la fotografía tiene en todo su proceso de elaboración.

2 Jul 2020

Vicios

Cuando empecé a ganarme la vida con mis primeros encargos fotográficos, hace ya más de 25 años, tenía dos “vicios’” claros, la música y los catálogos de fotografía. Por aquel entonces todavía no había montado mi primer estudio y, por tanto, aun no era consciente del significado de “vivir para pagar”. Mis únicas inversiones eran los discos y los libros, y la verdad es que tampoco me planteaba aspirar a mucho más. Era feliz con tan poco o… con tanto, según se mire. De hecho, cuando rememoro mentalmente algunos pasajes de mi anterior juventud, puedo aun revivir con claridad aquella sensación, casi orgásmica, de arrancar el envoltorio de plástico y descubrir el diseño interior de un cedé de Mike Oldfield o Wim Mertens, o las fotografías de un catálogo de Duane Michals, Jan Saudek o Helmut Newton. Normalmente esta escena solía producirse en un tren, de vuelta a casa, después de liquidar gran parte de mis ingresos en las tiendas de música y librerías de la capital, y creo que mi éxtasis era más que evidente porque al mirar a mi alrededor no era extraño cruzarme la vista con alguien que me observara como si yo fuera el mismo Gollum ensimismado con su “tesoro”.

10 Abr 2020

Robert Capa fotografiado en la cubierta del USS Chase

Indochina, mayo de 1954

En la primavera de 1954, Francia está a punto de fracasar en su intento por recuperar las colonias francesas de Indochina, tras casi 8 años de conflicto bélico con el Viet Minh de Ho Chi Minh.

Montado “de paquete” en un jeep, un fotógrafo dispara con una vieja Contax II cargada con película en blanco y negro, mientras un convoy del ejército francés, del que forma parte el vehículo, se adentra en una zona de campos llenos de espesa vegetación. Las últimas posiciones francesas están a punto de caer. La derrota de Francia es ya un hecho y el final de la guerra es inminente. No así la sangría que durante décadas asoló los territorios de la antigua Indochina Francesa (Vietnam, Camboya, Laos).

8 Mar 2020

Hay en Internet un debate sobre la autoría del primer “selfie de la historia” (pongamos comillas, por favor) y el marco temporal en el que este se obtuvo. El debate, más allá de romperle los esquemas a algún millennial al situar la primera acción atribuible al término anglosajón selfie fuera del siglo XXI y sin opción de carga en Instagram, conlleva otro debate secundario (o quizás sea el principal) sobre la definición correcta de lo que se supone que es un selfie.

16 Feb 2020

¿Por qué tengo que trabajar gratis? ¿Por qué debo bajar los precios de mi trabajo? ¿Cuándo estará valorado realmente por toda la sociedad mi trabajo? Posiblemente estas sean algunas de las preguntas que los fotógrafos profesionales se realizan día a día cuando ven que se les regatea por sus fotografías o, por el contrario, que incluso se les señala que deben trabajar gratis.

Comenzamos señalando que no se cobra por lo que se hace, si no por lo que se sabe; por lo que realizar un trabajo de fotografía profesional no se compagina con el término altruista.

Y todo ello emerge desde el nacimiento de páginas web con bancos de imágenes gratuitos o de bajo coste donde se adquieren fotografías profesionales a muy bajo precio pero donde, además, se espera encontrarlas a todavía más bajo precio.  Este problema es recogido en el movimiento #NoBudgetNoPhotos que comenzó la fotógrafa Nafa Ribeiro a raíz de que uno de estos portales le solicitara usar sus fotografías profesionales a cambio de aparecer gratis en su web y tener prestigio; un prestigio gratuito y que como ella indicó ‘no paga las facturas’. Pero no solo ella, se pueden ver en la campaña más de 400 fotógrafos que se han visto afectados por lo mismo, donde páginas webs de bancos de imágenes solicitan los derechos de sus fotografías profesionales de forma completamente gratuita. El movimiento #NoBudgetNoPhotos ha sido comentado en varios medios internacionales.

4 Feb 2020

The Illuminated Man (El hombre iluminado). © Duane Michals, 1968

Recuerdo una reseña escrita a raíz de una exposición fotográfica que hice, hace ya más de 20 años, en la que el autor de esta tildó mis imágenes de «paisajismo en blanco y negro». Por entonces yo era bastante más joven de lo que soy ahora (optimismo de xennial fofisano) y como el desencanto todavía no me ha había dado fuerte en la cara, aún soñaba que, con el tiempo, me haría un hueco respetable en el olimpo fotográfico. Sí es verdad que en aquella época todavía fotografiaba exclusivamente en blanco y negro, como también es verdad, que la mayoría de mis fotografías eran tomadas en exteriores. Pero nunca he tenido, ni entonces ni ahora, ningún interés por el “realismo” del espacio fotografiado, ni a la hora de verlo, ni a la hora de capturarlo en una fotografía. Aquello del «paisajismo en blanco y negro» me sentó un poco como una patada en mis partes colgantes, más por el hecho de pensar que, quizás, mi estilo fotográfico (si es que había alguno entonces) pudiera estar sumido en cierta indefinición, que por el de una reseña escrita por alguien que, presumiblemente, no había entendido muy bien de qué iba la cosa, seguramente como consecuencia de lo primero.

9 Dic 2019

Blade Runner (Ridley Scott, 1982) nos mostró un futuro que, llegados ya a ese noviembre de 2019, ha resultado distópico en muchos aspectos. Aunque muchas ciudades actuales bien se asemejan a aquella Los Ángeles futurista, sombría, húmeda y saturada de luces de neón (leds ahora), la verdad es que la robótica, la IA y la ingeniería genética todavía están en pañales, la humanidad no ha colonizado el espacio exterior y lo más parecido a un coche volador que he visto en mi vida ha sido el Ford Thunderbird de Thelma y Louise.

Pero Blade Runner, obra maestra indiscutible del cine, y no solo del de ciencia ficción, cuyo visionado debería de ser obligatorio para todo buen amante de la fotografía cinematográfica, o de la fotografía a secas, nos brindó algunos de los artefactos más icónicos de la historia del cine, como los spinners, el blaster con el que Rick Deckard eliminaba replicantes a boquete limpio, o el famoso maletín para el test Voight-Kampff. Pero sin duda, el cacharraco que seguramente hizo las delicias de cualquier fotógrafo antes de la era digital, fue la máquina de foto análisis Esper.

17 Oct 2019

Harvey Keitel en una de las escenas icónicas de Smoke (Wayne Wang 1995)

Para muchos de los que hemos tocado aun la fotografía analógica, procesar todo lo que ha supuesto el convulso camino hasta esta era digital, extenuante en muchos aspectos, nos ha dejado un sabor de boca un tanto agridulce. Dulce, sin duda, por todas las posibilidades creativas que la tecnología ha traído consigo, y amargo, también, porque tal y como, hace ya 5 años, definió el fotógrafo Siqui Sánchez en aquel legendario cabreo, Apoteosis de la Mierdografía, cuando una actividad artesanal (porque eso éramos los fotógrafos: artesanos de la imagen) pasa a convertirse en un producto fast food, la esencia de ese acto artesano acaba siendo engullida por la banalización y la ausencia de esa complejidad intelectual en el discurso, necesaria esta, en cualquier proceso creativo o artístico. La fotografía no ha muerto, ha evolucionado, y de qué manera, pero hay que reconocer que desde que se “democratizó”, su uso en las redes sociales tienen algo de, y cito de nuevo a Siqui, «patología del comportamiento».